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Vegetal Passion
par Aurélien Mole

Des espaces dépeuplés à perte de vue, traversés de temps en temps par des nomades qui s’arrêtent à peine plus de quelques instants. La lumière ne décline pas et la nuit survient brusquement. Une nuit silencieuse. Mes ancêtres ont combattu pour des territoires autrement plus peuplés, une place au soleil qu’il fallait défendre. De ces combats ininterrompus, j’hérite une forme d’endurance, une volonté farouche de survivre. Je suis une sauvage.

Mes sœurs qui les premières ont été emmenées en Occident, ont été l’objet d’une curiosité exotique. Elles ont été étudiées, classées selon les bénéfices que l’on pouvait en tirer. On s’extasiait alors sur leurs formes étranges et leurs atours singuliers si différents des beautés européennes. Et nous, trop contentes de quitter nos contrées surpeuplées, avons profité du vide environnant pour nous déployer malgré le froid. Nous qui avions toujours vécu dans l’ombre, étions soudain baignées de lumière et d’attention.

Quittant les grandes cages vitrées qui nous avaient tout d’abord accueillies, nous avons été invitées dans des intérieurs où un étrange mobilier mimait des formes qui nous étaient familières. Il faisait semblant de croître, de s’élancer en courbes graciles dans l’exiguïté domestique de salons ou de salles à manger. Quelle chose étrange qu’un intérieur quand vous avez toujours vécu à l’air libre! Pas un souffle de vent, pas un bruit. Un espace organisé où tout se dédouble en une existence symbolique justifiant l’emplacement et l’usage de tout ce qui y participe. En apparence, rien de plus éloigné du chaos des jungles. Au foisonnement d’une vie organique obstinée se substitue une réalité complexe de signes dont la lutte pour l’espace, quoique moins visible, n’en est pas moins violente.

Quand cet espace est-il devenu toxique ?

Je crois que cela date d’un changement dans l’environnement, un changement dans le goût pour l’ornemental. Un passage de l’espace domestique vers un autre type de lieu habité différemment. Bizarrement, l’on nous a attribué la tâche d’adoucir ces espaces impersonnels. D’un coup, nous partagions avec ces meubles qui avaient mimé les formes végétales, la charge de devoir représenter une entité naturelle pour atténuer ce fait: l’ère industrielle avait éloigné l’Homme occidental de la Nature comme jamais auparavant. La spécialisation de chaque individu au sein d’un système d’échanges avait produit une explosion des activités de type tertiaire ne nécessitant aucun espace spécialisé pour se développer. Au contraire, il fallait des lieux standardisés dont la chlorophylle qui teintait nos feuilles devait absorber la dureté autant que la lumière crue des tubes fluorescents.

L’origine de ces espaces blancs est peut-être à trouver du côté de l’art ? Avec son bâtiment manifeste de la Sécession, Joseph Maria Olbrich avait proposé aux arts un nouveau standard tout de blancheur et d’étendue. Des espaces mentaux semblables à celui que dessine les limites de la page blanche. Mais à la différence d’une feuille de papier dont le grain de la pulpe végétale invite au remplissage, le blanc du mur n’est pas une surface d’inscription, c’est un blanc d’une autre nuance, une surface de dépôt qui finit toujours par repousser ce qu’on lui impose. Comme l’huile repousse l’eau ou le vinaigre. Les expositions sont transitoires et glissent à la surface du cube blanc. Accompagnant ce mouvement, j’ai glissé moi aussi. La nature, même sous sa forme la plus ornementale, a semblé soudain étrangement incongrue. Enfin, les images numériques propices à la retouche m’ont privée de ma fonction dissimulatrice des excroissances électriques et autres prises de courant. On ne me voit plus guère dans les musées et les expositions qu’exceptionnellement, lorsqu’un artiste en fait la demande expresse. Je suis aujourd’hui dans la pièce de l’agence Les ready-made appartiennent à tout le monde intitulée « Pétition de principe », installée dans l’exposition Authors and the found object sise au MOMA de New-York du 6 mai au 27 août 2030.

Des espaces dépeuplés à perte de vue, traversés de temps en temps par des nomades qui s’arrêtent à peine plus de quelques instants. La lumière ne décline pas et la nuit survient brusquement. Une nuit silencieuse. Mes ancêtres ont combattu pour des territoires autrement plus peuplés, une place au soleil qu’il fallait défendre. De ces combats ininterrompus, j’hérite une forme d’endurance, une volonté farouche de survivre. Je suis une sauvage.

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Green Culture
par Dorothée Dupuis

Au fur et à mesure que nous progressons dans l'Anthropocène, et que les populations humaines se concentrent dans les villes, notre lien à la nature devient de plus en plus distendu, abstrait. Les grandes corporations ont bien compris comment exploiter cette tendance angoissante et irréversible, et peuplent notre environnement de références à une nature idéalisée. Ainsi McDonalds a-t-il récemment changé le rouge et le jaune historiques de son logo pour un camaïeu moutarde et vert sapin[1],nettement plus eco-friendly, et ce dans une tentative désespérée de rattraper son concurrent Starbucks depuis longtemps aguerri aux techniques lucratives de la green culture.

De leur côté, les curateurs mettent des plantes dans leurs expositions. Ce n'est pas un phénomène nouveau ; de fait, dans la première moitié du 20^ème siècle, les plantes appartenaient au musée au même titre que les cendriers et les mises à distance massives dans les salles d'exposition. Elles participaient d'une certaine conception muséographique que la tyrannie greenbergienne du white cube vint balayer de façon arbitraire à partir des années 1950. Les plantes sont d'ailleurs réintroduites aujourd'hui dans les expositions à peu près pour les mêmes raisons qu'autrefois, à savoir leur potentiel décoratif, neutre et bienveillant, ainsi que leur capacité à signifier une transition entre différents espaces.

J'ai moi-même installé des plantes dans une exposition[2] organisée à la Galerie Alain Gutharc en juin 2013, intitulée Interior 301. Le titre faisait référence au numéro de mon appartement à Mexico, ville où je réside depuis maintenant un an. L'exposition rassemblait les œuvres de six artistes partageant un certain goût pour l'abstraction et l'utilisation de motifs complexes dans leur œuvre. Tous produisaient leurs motifs selon des techniques artisanales personnelles, rappelant parfois les mouvements Arts and Crafts ou les pratiques outsider. Le choix d'ajouter des plantes dans la galerie, un parfait white cube, et au sein d'un projet totalement institutionnel, obéissait à une double intention. Premièrement, évoquer la forme de l'appartement à travers l'ajout de plantes d'intérieur. Les plantes jouaient ce rôle de transition évoqué précédemment, et ramenaient l'espace de la galerie à un espace domestique universel[3] exempt de références stylistiques reconnaissables, comme le mobilier par exemple. En effet, je cherchais à suggérer l'espace de mon appartement mexicain comme un espace mental vacant habité par mes recherches curatoriales de l'époque, et à montrer les influences que pouvait avoir ce changement d'environnement sur celles-ci. Le choix des plantes tropicales était bien sûr destiné à renforcer cette sensation, ainsi qu'à commenter de façon légèrement ironique la notion fourre-tout « d'exotisme », qui nous avait d'ailleurs elle-même animée à l'heure de notre départ[4].

Cette conception d'un exotisme générique était d'ailleurs renforcée par le deuxième point : n'ayant pas de compétences botaniques particulières, j'avais choisi les plantes sur des critères uniquement formels et subjectifs, selon le plaisir que m'inspiraient leurs dessins et couleurs dans une lointaine association avec les œuvres de l'exposition. Ces rapprochements formels me semblaient souligner de façon simple la spontanéité travaillée des œuvres de l'exposition et l'aspect organique de leurs compositions. Dans le monde végétal, la fonction génère la forme, et c'est l'homme qui ensuite y décèle la vertu esthétique ; métaphore simple des méthodologies employées par ces artistes qui laissaient souvent le hasard s'inviter dans leur travail, dans l'idée analogue que le processus constitue le cœur de l'œuvre, bien avant que les éventuelles questions de goût ne viennent la sanctionner une fois achevée.

Je souhaitais à travers ce dispositif parler du lien ténu entre nature et culture, entre puissance des contextes et autonomie de l'œuvre d'art, entre réalisme et abstraction, mais de façon non autoritaire. La juxtaposition des plantes et des œuvres initiait des rapprochements d'idées basés sur l'expérience sensorielle, et non sur des concepts théoriques énoncés, d'ailleurs absents du communiqué de l'exposition. Je ne suis ni sociologue, ni historienne, ni scientifique, et encore moins botaniste. Je suis curatrice, et ma pratique est basée sur les œuvres et leur existence dans certains espaces et contextes. C'est ce que j'ai tenté de souligner avec ce dispositif particulier, que j'analyse rétrospectivement aujourd'hui. Le curateur est, tout comme les artistes, un être opportuniste : et les plantes ne sont rien de plus ici qu'un autre symptôme culturel exposé par le biais de ce Doppelgänger étrange qu'est l'art contemporain pour la société, un signifiant isolé, livré en pâture à l'interprétation : un tribut à cette green culture qui nous entoure. Je n'ai pas particulièrement mauvaise conscience : après tout, l'Equateur lui-même a renoncé à vendre la potentielle gigantesque économie de production de CO² que constituait la préservation de sa forêt équatoriale[5], pour choisir d'exploiter les gisements d'hydrocarbures présents dans son sous-sol : liquidation pure et simple du mécanisme économico-écologique le plus ambitieux inventé ces dernières années. L'exode rural continue ; et j'ai depuis longtemps réintégré mon immense forêt de béton.

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Vegetal Passion

C'est un fait, nous visitons chaque mois plus d'expositions virtuellement que nous n'en parcourons physiquement. Notre confort domestique couplé à notre lieu de résidence relativement reculé nous pousse d'ailleurs à passer de plus en plus de temps devant nos écrans à constituer nos collections d'images idéales, les stockant frénétiquement sur nos disques durs.

Les blogs et sites que nous parcourons quotidiennement regorgent d'images de plantes -souvent reprises pour leurs qualités graphiques - à tel point qu’il est aujourd’hui difficile pour les 'surfeurs glaneurs' que nous sommes, de ne pas nous mettre de côté une image feuillue après l'avoir vue apparaître dans le flux de nos dérives. C’est donc en tant que “curateurs d’art virtuel”, appliquant instinctivement le récent concept de “content curating”,que nous avons pioché dans ce terreau fertile afin de nourrir, nous aussi, notre végétale passion. Tantôt chasseur, tantôt cueilleurs.

A l'origine, ce projet s'appuie sur des photographies d'expositions (notamment issues des fonds Christian Zervos et Cahiers d'Art de la bibliothèque Kandinsky) des années 1940-1960, époque de pré-standardisation muséographique, durant laquelle les plantes décoratives, dites 'd'appartement', semblaient 'naturellement' ponctuer les salles d'exposition (en France comme outre-Atlantique). Dans ces images d'archives, la plante apparaît comme un élément constitutif du mode de présentation institutionnel au même titre que les sièges et les tables. Tour à tour « paravent naturel » dissimulant les extincteurs ou mur végétal empêchant le visiteur de s'aventurer dans les recoins réservés au personnel, la plante verte remplissait ainsi toutes sortes de missions sans jamais être remise en question. Ou peut-être était-elle destinée à dépolluer les espaces d'expositions des critiques malintentionnées ? En tant qu'organisme vivant doué d'un fort pouvoir d'adaptation, elle comble sans doute ce besoin qu'a l'homme de vouloir tout éduquer, dompter, domestiquer, même la plante. Maintenant banalisée, standardisée elle semble jouer malgré tout un jeu décomplexé, évoquant la mixité sans frontière dans ce grand mezze de références qu'est internet. Mais attention, celle-ci nécessite soin et attention, à moins qu'elle ne soit en plastique.

De nos jours, tandis qu’elles s’imposent comme une évidence à la maison ou à l'atelier, les plantes d’intérieur ont envahit les galeries d'art. Appréciées par les artistes pour leur valeur plastique, mais aussi leur référence à une certaine nature domestiquée, elles invitent à un questionnement sur la fonction décorative des œuvres d'art. Cette exposition prend ainsi en compte la récente prolifération de plantes d'intérieur dans les œuvres d'artistes contemporains, à travers une sélection minutieuse et non exhaustive de photographies d’œuvres. Aux images de plantes et images d'expositions historiques (au Centre Pompidou ou au Walker Art Center notamment), s'entremêlent des images d'œuvres de vingt artistes (Darren Bader, Gabriele Beveridge, Simon et Tom Bloor, Marcel Broodthaers, Koenraad Dedobbeleer, Andreas Ervik, Ditte Gantriis, Pierre Huyghe, Jiří Kovanda, Margaret Lee, Tobias Madison, Mathieu Mercier, Jessee Moretti, Katja Novitskova, Oliver Osborne, Edgar Orlaineta, Nam June Paik, André Piguet, Mandla Reuter, Florian Slotawa) ainsi que des projets spécifiques de Laura Aldridge, Ditte Gantriis, Hayley Tompkins, Travess Smalley et Pedro Wirz. Invités à produire des pièces digitales en résonance avec leur pratique artistique, ces cinq artistes invités ont tous un intérêt particulier pour les végétaux, qu'ils les collectionnent, s'en inspirent ou les intègrent à leur travail.

Laura Aldridge a réalisé un GIF animé, mettant en scène une imagerie représentative de son travail entremêlant éléments floraux et morceaux de corps dans une animation douce et sensuelle.

Hayley Tompkins a fait subir à un manuel d’entretien pour plantes d'intérieur le même traitement qu'à ses œuvres récentes, les plongeant dans des couches successives de peinture de pigments pour aboutir à un résultat délicat et organique.

Le travail de Ditte Gantriis se nourrit généralement d'une imagerie administrative (bureaux, salles d'attente, standards téléphoniques) dans laquelle les plantes jouent un rôle particulier et qu'elle détourne graphiquement. Pour Vegetal Passion, elle a produit un poster éponyme, à mi-chemin entre l'œuvre et l'objet publicitaire.

Travess Smalley a détourné et retravaillé numériquement une image de sa série photographique Floral Poetics mettant en scène des végétaux colorés, donnant à voir une nature transformée.

Enfin, Pedro Wirz réalise depuis plusieurs mois des séances de méditation plongeant le spectateur dans une jungle dense dans laquelle chacun doit, en fin d'expérience imaginer une sculpture et la dessiner. L’artiste réalise ensuite certaines de ces sculptures imaginaires les considérant comme des collaborations.

Sous son aspect non scientifique, expérimental, voir subjectif, Vegetal Passion a été pensé comme un accrochage de collection, une jungle domestiquée, ambiguë et pittoresque dans laquelle se côtoient les images, textes et documents de natures différentes sans hiérarchie. Armés d'une méthodologie parfois hasardeuse, notre volonté n'est pas de résoudre rigoureusement des questions, mais de proposer des mises en relations singulières faisant naître des associations d'idées plus ou moins heureuses mais toujours étonnantes.

Nous laisserons cette exposition se métamorphoser au gré des saisons et des floraisons, avec des ajouts et des mutations discrètes, à découvrir et observer comme on visite un jardin d’hiver.

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